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9 de enero de 2015

Solidaridad Charlie


Lo he comentado en más de una ocasión y no me cansaré en repetirlo, ADORO las portadas de The New Yorker. En esta ocasión y sumándome al dolor que está padeciendo París estos días, mi solidaridad con la magnífica ilustración de portada de esta semana de la publicación, siendo además con una sensación agridulce por ser de una ilustradora española. Agridulce porque me alegro que la ilustración española está ahí y me entristece por el tema a desarrollar. Pero me centraré en la alegría de esta gran ilustradora, premio nacional de ilustración en 2010, que todavía no la he nombrado y que es lo primero que debía haber hecho. Su nombre es ANA JUAN, valenciana afincada en Berlin, es licenciada en Bellas Artes por la Universidad Politécnica de Valencia en 1982, empezó a colaborar al año siguiente con las revistas La Luna de Madrid y Madriz, aportando para ellas sus únicas historietas hasta la fecha todas en blanco negro y de tintes expresionistas. 
Ana colabora con The New Yorker desde 1995. Además del nacional de ilustración durante dos años consecutivos (1998 y 1999), obtuvo la Medalla de Oro en la categoría de ilustración de la Society of Newspaper Design (que son como los oscar en EE.UU.) En 2001 publicó "Amantes" y reeditado después por Edelvives.
Un gran ilustradora de universos paralelos y con una gran y brillante trayectoria. Os ánimo a que os adentréis en su web y os dejéis llevar por ese mundo paralelo creado por ella.



6 de noviembre de 2014

Bébete este libro

WATERisLIFE está siempre investigando nuevas herramientas para la distribución del agua. Su objetivo es entender, investigar y ayudar a desarrollar e implementar finalmente una nueva tecnología que funcione para así hacer un planeta sostenible.

Han presentado el proyecto Drink this book. Es la primera vez que se enseña un manual de consejos  para conseguir agua potable y sirve también como herramienta para evitar las enfermedades mortales que se transmiten por el agua, además proporciona al lector una oportunidad de crear agua potable limpia de cada página.
Una forma curiosa y potente de aportar algo a la sociedad a través de un formato, como es el libro, para transmitir conocimiento y de esta forma AGUA.




WATERisLIFE está trabajando en la financiación de la producción y sus planes son comenzar la distribución de los libros a principios de 2015.


31 de octubre de 2014

El libro de los libros (The Book of Books)


"The Book of Books" es un proyecto del fotografo estadounidesnse Stephen Shore (precursor del uso del color en fotografía). Intrigado por el potencial creativo de la tecnología de impresión bajo demanda, en 2003, Shore comenzó a hacer una serie de libros que utilizan el programa de autoedicion de fotografia iPhoto de Apple, así de esta manera tenia total control sobre los libros a excepción de la impresión. La serie de libros que realiza no le llevarán en su proceso no más de 24 horas.

En total realizará 83 libros que publicará en 2012 con el título "The Book of Books". Estos proyectos están disponibles en el appstore para su compra, y por ende son de impresión automática en el momento que alguien desee adquirirlos. Como en sus primeras series de influencia conceptual, aquí vuelve a poner en juego los límites autoimpuestos en un marco estructural limitado, a la vez que sugiere la idea de azar. Durante un tiempo, por ejemplo, realiza un libro cada vez que el titular principal del New York Times alcanza las seis columnas y, aunque el contenido no estará dedicado necesariamente a esa noticia, para Shore esos libros funcionan como una cápsula del tiempo. En otros casos, las imágenes son fruto de sus viajes, o bien la secuencia se realiza a partir de la relectura fragmentada de alguna de sus fotografías de proyectos 
"The Book of Books", editado por Phaidon es un libro de dos volúmenes altamente coleccionables (limitado a 250 copias) que contiene una colección completa de estos 83 libros de impresión bajo demanda. Los diseños originales, incluyendo páginas de bancos, se reproducen a tamaño real y organizados cronológicamente. De este modo, el coleccionista experimenta cada libro y el proyecto del libro entero como Stephen Shore creó originalmente.



La Fundación Mapfre en Madrid presenta la primera exposición retrospectiva de la obra de
Stephen Shore. Se trata de uno de los fotógrafos contemporáneos cuya influencia ha sido más visible y destacada para diversas generaciones de artistas y es una referencia constante e indiscutible para los jóvenes fotógrafos. Su contribución al desarrollo del lenguaje fotográfico ha sido fundamental tanto por su sólida obra como por el aspecto teórico que ha transmitido como
docente.
Esta exposición muestra más de 300 fotografías y recorre los principales núcleos conceptuales de su práctica fotográfica: la reflexión sobre el lenguaje fotográfico, el análisis sobre el paisaje y el significativo uso del color y del blanco y negro. 

16 de octubre de 2014

Llueve en Nueva York



Siempre merece capítulo a parte destacar las portada de The New Yorker, pero además si quién la hace es el artista alemán Christoph Niemann con más motivo. 
Nos cuentan cómo pensó esta portada para la publicación: "Cuando llegué a Nueva York por primera vez, estaba lloviendo," dice. "Tal vez por eso, en mi opinión, no hay lugar en la tierra en el que cuando te quedas atascado por el tráfico en un día de lluvia, Nueva York es de lo más hermoso."

A continuación se presentan dos de los bocetos preliminares de Niemann, también con el tráfico en un día lluvioso en Nueva York.


21 de agosto de 2014

Pioneros del Diseño Gráfico en España


Como dice el refrán, "nunca es tarde si la dicha es buena". Por lo que a mi me toca después de que hayan pasado mas de 10 años de su publicación he podido leer esta gran obra del conocido diseñador fundador de el estudio de diseño TAU, Emilio Gil. Tuve la oportunidad de recibir por su parte un par de clases, y la verdad, fue una gran sorpresa, no solo como persona sino también por todo lo que sabia del diseño y sobre todo en España, por lo que esta obra, si no la tienes todavía, es totalmente indespensable. Es el primer título monográfico que recoge la iconografía española del período comprendido entre 1939-1975; un recorrido en más de 1.000 imágenes, a través de la obra de los diseñadores gráficos españoles que marcaron una época. Esta es la primera monografía publicada en España dedicada a ilustrar la brillantez y excelencia de 15 grafistas españoles, en una antología que nos lleva a explorar su obra, recorriéndola a través de más de 1.000 imágenes que muestran la iconografía más emblemática de la España de la época. Los maestros del diseño gráfico español cuya obra se recoge en el libro son los siguientes: Josep Artigas, Alexandre Cirici Pellicer, Amand Domènech, Elías y Santamarina, Jordi Fornas, Fermín Garbayo, Daniel Gil, Ricard Giralt Miracle, Ernest Moradell, Antoni Morillas, Joan Pedragosa, Josep Pla-Narbona, Manolo Prieto, Julián Santamaría y Tomás Vellvé. La calidad objetiva de los trabajos y la sintonía de éstos con las últimas tendencias del diseño español e internacional, hace a estos 15 diseñadores merecedores de esta publicación de referencia, cubriendo el vacío existente y ofreciendo, así, un documento actualizado, de referencia tanto para profesionales como para historiadores o estudiantes. Pioneros incluye, además, una introducción de Anna Calvera, historiadora del diseño y profesora de la Universidad de Barcelona (UB), que contextualiza históricamente el origen de la profesión de Diseñador Gráfico, complementado con una cronología nacional e internacional que abarca el período de más de tres décadas reflejado en el libro, así como reflexiones de prestigiosos autores y artistas como, Daniel Giralt-Miracle, Enric Jardí o Josep Pla-Narbona, entre otros.
Está editado en indexbook que además está en outlet, oportunidad única.




20 de agosto de 2014

Una de exposiciones

Ya hemos pasado la mitad del verano y se va notando en los atardeceres con menos horas de piscina o playa, las tormentas de la tarde, pero como todavía quedan días, hay que aprovecharlos al máximo y sobre todo esta semana si estás por Madrid, ¡aprovecha!, porque esta es de las semanas que menos gente hay en la capital. ¿Y cómo aprovecharlo? pues acercándote a los museos a ver un poco de arte fresquito como es el movimiento POP. 


Sumergiros con las exposiciones, de las que ya se ha hablado bastante durante estos meses atrás en los medios de comunicación y que seguro ya conoceréis. Esas exposiciones son la de el Museo Thyssen-Bornemisza y sus Mitos del Pop, y en el Museo Reina Sofía y Richard Hamilton
También aprovecha la ocasión en el Reina Sofía para acercarte a la La exposición fotos y libros. España 1905-1977 en el que se propone un recorrido por la historia del fotolibro español, comenzando a principios del siglo XX y finalizando a mediados de los años setenta, con una selección de la colección del Museo Reina Sofía, contextualizados y acompañados de un variado material complementario.


Y para finalizar, pero no por ello menos importante, acercarse a la Fundación Juan March y poder contemplar Libros (y otras publicaciones) de artista, 1947-2013Es una pequeña muestra que toma como punto de partida el amplio y heterogéneo campo enriquecido durante los dos últimos siglos por las fructíferas relaciones entre el artista y el libro o, en general, las publicaciones. Esta exposición es la primera que termina, solo hasta el día 30.


8 de mayo de 2014

Impresionante edición limitada de las obras de Shakespeare


The Folio Society vuelve a sorprender con esta impresionante edición sin precedentes de Shakespeare. El diseño de dicha edición tan puro, simple, que la belleza del texto puede ser apreciado de una forma grandiosa y bella que sería tan eterna como el texto mismo.

¿Cómo sería la versión ideal de la obra de Shakespeare? ¿Cuál sería el resultado si la simplicidad y la elegancia son el objetivo, en lugar de los dictados de la moda y el coste de los resultados? Estas fueron las preguntas que se hicieron antes de embarcarse en la serie "Letterpress Shakespeare" en 2006. El proyecto consistía en juntar a los mejores diseñadores de libros, maquetadores, fabricantes de papel, impresores de Europa durante ocho años.




El punto de partida fue el texto. En lugar de mantener el texto y el comentario juntos, decidieron ponerlos en distintos volúmenes. Se resolvió, limpiando el desorden que producen varios elementos en página como son: notas al pie y las variantes textuales. Todo lo que quedaba eran las palabras de Shakespeare en un volumen independiente. 
El texto ha sido impreso en 16 puntos Baskerville, con el tipo establecido en metal caliente y estampados en papel grueso, hecho a molde. Los márgenes son generosos -más de 6 centímetros- para permitir que las palabras puedan respirar.
El resultado es un diseño sencillo y discreto que es una delicia para leer y un placer para observar.

Las cubiertas se realizaron con el metodo llama "marbling" o si lo españolizamos "marmoleo" que consiste en un diseño en una superficie acuosa, que puede producir patrones similares para suavizar mármol u otra piedra. Los patrones son el resultado del color que flota, ya sea agua o en una solución viscosa conocida como "size", después se transfiere cuidadosamente a una superficie absorbente, tal como papel o tela. Se utiliza a menudo como una superficie de escritura, y en especial  en las cubiertas de libros y en las guardas de encuadernación de estos. Parte de su atractivo es que cada impresión es única.



30 de enero de 2014

Germano Faccetti, el revolucionario


Germano Facetti, fue director de arte de Penguinbooks durante los años comprendidos entre 1961 y 1972, dio una extraordinaria unidad e impacto visual sin igual a las cubiertas de las colecciones de Penguin, editorial considerada ya en la época por los lectores como una parte vital de la vida cultural británica.




Facetti tenía un conocimiento enorme de la historia del arte y un instinto infalible para la forma en que una sola imagen pueda captar la esencia de un libro.
Por ejemplo, para "El agente secreto de Joseph Conrad", un cuento de terrorismo del siglo XIX, utilizó un detalle de una pintura de Hampstead Hill por John Atkinson Grimshaw, las calles grises bajo la lluvia creando una atmósfera gris crea un impacto visual importante.
Incluso cuando la obligación de omitir una imagen completamente, como en El guardián entre el centeno, Facetti podría dar en el blanco.




Utilizó las sans serif estándar y Helvetica para el autor, título del libro y nombre de la serie, siempre en el mismo tamaño y posición por encima de la imagen, que, en títulos de ficción, podría ser una pintura, un dibujo o una fotografía de un pedazo de escultura. El estilo tipográfico, influenciado por la moda de la tipografía suiza modernista, era a la vez acogedor y tan clara como el cristal.
Con un máximo de 70 cubiertas para producir cada mes, Facetti necesitaba la ayuda de algunos de los mejores diseñadores del Reino Unido, figuras como Richard Hollis, Derek Birdsall y Alan Fletcher fueron traídos para diseñar portadas para Penguin.


Facetti es, en resumen, figura indispensable a la hora de estudiar e inspirarse para realizar la cubierta de un nuevo titulo de un libro y llegar un poco más allá.






17 de enero de 2014

El diseño gallego de Luis Seoane que no hay que olvidar

La peripecia vital e intelectual de Luis Seoane no supone tanto el esfuerzo de llevar a cabo una obra amplia y coherente, como la voluntad de devolverle a la plástica y al pensamiento gallego la dignidad perdida por los años de aislamiento y atraso: una creatividad apasionadamente comprometida con su tiempo.
La vida de Luis Seoane (Buenos Aires 1910-A Coruña 1979) fue un largo viaje a través del siglo XX. Formado en la época de la dictadura de Primo de Rivera, luchador en los años de la República, huido en 1936, organizador y promotor de la vida cultural en el exilio, viajero por el mundo y atento a los múltiples discursos que iba generando su época, Seoane fue testigo de excepción de este siglo agitado y convulso. Su obra, vasta y diversificada, su pensamiento abierto, sus iniciativas, lo convierten en un personaje destacado en el panorama de la cultura gallega y española del siglo XX, que ayudó a construir con su esfuerzo, su talento y su compromiso.




La obra de Seoane es una simbiosis entre el afán por evocar el arte tradicional de Galicia, manifestado a través de los petroglifos y de la enorme presencia del románico, y el arte de las vanguardias históricas, admiradas por el pintor gallego. Seoane fue autodidacta en su aprendizaje plástico, su curiosidad y admiración por la Galicia de sus antepasados y por el arte en general fueron los motores de su conocimiento. Los soportes utilizados para expresar su creatividad, más allá de la práctica de la pintura, van desde el grabado en todos sus aspectos (xilografía, litografía, etc.), el dibujo, el muralismo, el diseño gráfico (carteles, portadas de libros) e incluso la labor editorial.
En su primera etapa como pintor y dibujante se ve influido por el expresionismo alemán (Grosz, Otto Dix), los estudios de Lissitstzky, la metodología de la Bauhaus y, en mayor medida, por el trabajo de Pablo Picasso. 





A partir de los años cincuenta su obra evolucionará hacia una pintura en la que el escenario ya no tiene el protagonismo de antaño y en se reduce el sentido de la profundidad. Los descubrimientos técnicos que le proporcionan la realización de murales le llevarán alrededor de los años sesenta a expresarse por medio de una pintura plana de fuertes contrastes de color y de un grafismo que se superpone a la obra pictórica, cargando su obra de gran fuerza sintética, llevándola hacia una deconstrucción de la imagen que supondrá el cenit de su etapa de madurez.
Independientemente de la práctica pictórica, del dibujo y de sus investigaciones en el campo del grabado, Seoane merece ser recordado como el gran dinamizador de la cultura gallega en el exilio. Fundador de la editorial Botella al Mar, editor, voz de la emigración a través de revistas como Galicia Emigrante… todo ese trabajo culminaría en la creación, junto a Isaac Díaz Pardo, del grupo Sargadelos. Su estética marcará un antes y un después en la historia de las artes plásticas en Galicia.


7 de enero de 2014

La primera cubierta de un libro, impresa en 3D


Todo el mundo sabe lo que un libro se parece a otro en lo que se refiere a su forma. A pesar de que los libros electrónicos se vuelven más populares, la idea básica es la misma que ha sido durante siglos: un bloque rectangular con superficies planas.

Riverhead Books, la división americana de Penguin Books, ha editado un titulo de Chang-rae Lee’s On Such a Full Sea, que por primera vez lleva una funda impresa en 3D. En colaboración con los genios de la imprenta en 3D, Makerbot
La funda de color blanco, en la que el libro se ajusta perfectamente, cuenta con las letras del título en aumento sobre la superficie de forma angular.

La cubierta se tarda en imprimir unas 15 horas y algunos prototipos de prueba tomaron hasta 30 horas. Helen Yentus, la directora de arte de Riverhead, ha diseñado la cubierta, que cuenta en su haber con 10 años de experiencia en la industria  y está acostumbrada a ser capaz de dibujar en cualquier diseño plano y ver de inmediato la idea sobre el papel, pero este proyecto fue un reto, ya que tuvo que aprender desde cero el proceso que conlleva diseñar en 3D y sobre todo no se veía al momento el resultado final. El diseño final fue realizado para una edición especial de 200 ejemplares firmados para su venta pero con un precio algo elevado 150 dólares.

Esta es una dirección en la que la industria editorial podría moverse, en un momento en el que el futuro del libro físico sigue en duda: proporcionar un menor número de lectores que están dispuestos a pagar más por cada compra, dándole una razón para gastar ese dinero en el objeto físico, en lugar de la versión digital, convirtiendo los libros en objetos de lujo. No es exactamente una nueva idea (la editorial Taschen ya lo está realizando), pero es una nueva manera. Y, como la impresión en 3D se hace más común, puede llegar a ser muy popular. 
En un comunicado anunciando la edición limitada, Lee, el autor, comentó que la funda "re-introduce la idea del libro como un objeto de arte", y el arte es algo que la gente está dispuesta a pagar.

Aunque Yentus dice, que ha notado un aumento en el dinero y el esfuerzo que se gasta en los efectos especiales y los proyectos. Es una tendencia que, si sigue creciendo, es un buen augurio para la industria.

Sale a la venta hoy 7 de enero.

4 de diciembre de 2013

Los mejores libros de fotografía de 2013

Como ya se acerca el final de 2013 y se empezarán a realizar los típicos especiales de recopilaciones de cómo ha ido el año, aporto esta recopilación de la revista TIME de los mejores libros de fotografía editados en 2013.
Hay una gran variedad de estilos y composiciones, desde ediciones de lujo como Garry Winogrand hasta pequeñas publicaciones como PIGS.
Una gran variedad que podéis ver más en TIME.