Pioneros del Diseño Gráfico en España

Como dice el refrán, "nunca es tarde si la dicha es buena". Por lo que a mi me toca después de que hayan pasado mas de 10 años de su publicación he podido leer esta gran obra del conocido diseñador fundador de el estudio de diseño TAU, Emilio Gil. Tuve la oportunidad de recibir por su parte un par de clases, y la verdad, fue una gran sorpresa, no solo como persona sino también por todo lo que sabia del diseño y sobre todo en España, por lo que esta obra, si no la tienes todavía, es totalmente indespensable. Es el primer título monográfico que recoge la iconografía española del período comprendido entre 1939-1975; un recorrido en más de 1.000 imágenes, a través de la obra de los diseñadores gráficos españoles que marcaron una época. Esta es la primera monografía publicada en España dedicada a ilustrar la brillantez y excelencia de 15 grafistas españoles, en una antología que nos lleva a explorar su obra, recorriéndola a través de más de 1.000 imágenes que muestran la iconografía más emblemática de la España de la época. Los maestros del diseño gráfico español cuya obra se recoge en el libro son los siguientes: Josep Artigas, Alexandre Cirici Pellicer, Amand Domènech, Elías y Santamarina, Jordi Fornas, Fermín Garbayo, Daniel Gil, Ricard Giralt Miracle, Ernest Moradell, Antoni Morillas, Joan Pedragosa, Josep Pla-Narbona, Manolo Prieto, Julián Santamaría y Tomás Vellvé. La calidad objetiva de los trabajos y la sintonía de éstos con las últimas tendencias del diseño español e internacional, hace a estos 15 diseñadores merecedores de esta publicación de referencia, cubriendo el vacío existente y ofreciendo, así, un documento actualizado, de referencia tanto para profesionales como para historiadores o estudiantes. Pioneros incluye, además, una introducción de Anna Calvera, historiadora del diseño y profesora de la Universidad de Barcelona (UB), que contextualiza históricamente el origen de la profesión de Diseñador Gráfico, complementado con una cronología nacional e internacional que abarca el período de más de tres décadas reflejado en el libro, así como reflexiones de prestigiosos autores y artistas como, Daniel Giralt-Miracle, Enric Jardí o Josep Pla-Narbona, entre otros.

Está editado en indexbook que además está en outlet, oportunidad única.

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Impresionante edición limitada de las obras de Shakespeare

The Folio Society vuelve a sorprender con esta impresionante edición sin precedentes de Shakespeare. El diseño de dicha edición tan puro, simple, que la belleza del texto puede ser apreciado de una forma grandiosa y bella que sería tan eterna como el texto mismo.

¿Cómo sería la versión ideal de la obra de Shakespeare? ¿Cuál sería el resultado si la simplicidad y la elegancia son el objetivo, en lugar de los dictados de la moda y el coste de los resultados? Estas fueron las preguntas que se hicieron antes de embarcarse en la serie "Letterpress Shakespeare" en 2006. El proyecto consistía en juntar a los mejores diseñadores de libros, maquetadores, fabricantes de papel, impresores de Europa durante ocho años.

El punto de partida fue el texto. En lugar de mantener el texto y el comentario juntos, decidieron ponerlos en distintos volúmenes. Se resolvió, limpiando el desorden que producen varios elementos en página como son: notas al pie y las variantes textuales. Todo lo que quedaba eran las palabras de Shakespeare en un volumen independiente. 
El texto ha sido impreso en 16 puntos Baskerville, con el tipo establecido en metal caliente y estampados en papel grueso, hecho a molde. Los márgenes son generosos -más de 6 centímetros- para permitir que las palabras puedan respirar.
El resultado es un diseño sencillo y discreto que es una delicia para leer y un placer para observar.

Las cubiertas se realizaron con el metodo llama "marbling" o si lo españolizamos "marmoleo" que consiste en un diseño en una superficie acuosa, que puede producir patrones similares para suavizar mármol u otra piedra. Los patrones son el resultado del color que flota, ya sea agua o en una solución viscosa conocida como "size", después se transfiere cuidadosamente a una superficie absorbente, tal como papel o tela. Se utiliza a menudo como una superficie de escritura, y en especial  en las cubiertas de libros y en las guardas de encuadernación de estos. Parte de su atractivo es que cada impresión es única.

Germano Faccetti, el revolucionario

Germano Facetti, fue director de arte de Penguinbooks durante los años comprendidos entre 1961 y 1972, dio una extraordinaria unidad e impacto visual sin igual a las cubiertas de las colecciones de Penguin, editorial considerada ya en la época por los lectores como una parte vital de la vida cultural británica.

Facetti tenía un conocimiento enorme de la historia del arte y un instinto infalible para la forma en que una sola imagen pueda captar la esencia de un libro.
Por ejemplo, para "El agente secreto de Joseph Conrad", un cuento de terrorismo del siglo XIX, utilizó un detalle de una pintura de Hampstead Hill por John Atkinson Grimshaw, las calles grises bajo la lluvia creando una atmósfera gris crea un impacto visual importante.
Incluso cuando la obligación de omitir una imagen completamente, como en El guardián entre el centeno, Facetti podría dar en el blanco.

Utilizó las sans serif estándar y Helvetica para el autor, título del libro y nombre de la serie, siempre en el mismo tamaño y posición por encima de la imagen, que, en títulos de ficción, podría ser una pintura, un dibujo o una fotografía de un pedazo de escultura. El estilo tipográfico, influenciado por la moda de la tipografía suiza modernista, era a la vez acogedor y tan clara como el cristal.
Con un máximo de 70 cubiertas para producir cada mes, Facetti necesitaba la ayuda de algunos de los mejores diseñadores del Reino Unido, figuras como Richard Hollis, Derek Birdsall y Alan Fletcher fueron traídos para diseñar portadas para Penguin.

Facetti es, en resumen, figura indispensable a la hora de estudiar e inspirarse para realizar la cubierta de un nuevo titulo de un libro y llegar un poco más allá.

El diseño gallego de Luis Seoane que no hay que olvidar

La peripecia vital e intelectual de Luis Seoane no supone tanto el esfuerzo de llevar a cabo una obra amplia y coherente, como la voluntad de devolverle a la plástica y al pensamiento gallego la dignidad perdida por los años de aislamiento y atraso: una creatividad apasionadamente comprometida con su tiempo.
La vida de Luis Seoane (Buenos Aires 1910-A Coruña 1979) fue un largo viaje a través del siglo XX. Formado en la época de la dictadura de Primo de Rivera, luchador en los años de la República, huido en 1936, organizador y promotor de la vida cultural en el exilio, viajero por el mundo y atento a los múltiples discursos que iba generando su época, Seoane fue testigo de excepción de este siglo agitado y convulso. Su obra, vasta y diversificada, su pensamiento abierto, sus iniciativas, lo convierten en un personaje destacado en el panorama de la cultura gallega y española del siglo XX, que ayudó a construir con su esfuerzo, su talento y su compromiso.

La obra de Seoane es una simbiosis entre el afán por evocar el arte tradicional de Galicia, manifestado a través de los petroglifos y de la enorme presencia del románico, y el arte de las vanguardias históricas, admiradas por el pintor gallego. Seoane fue autodidacta en su aprendizaje plástico, su curiosidad y admiración por la Galicia de sus antepasados y por el arte en general fueron los motores de su conocimiento. Los soportes utilizados para expresar su creatividad, más allá de la práctica de la pintura, van desde el grabado en todos sus aspectos (xilografía, litografía, etc.), el dibujo, el muralismo, el diseño gráfico (carteles, portadas de libros) e incluso la labor editorial.
En su primera etapa como pintor y dibujante se ve influido por el expresionismo alemán (Grosz, Otto Dix), los estudios de Lissitstzky, la metodología de la Bauhaus y, en mayor medida, por el trabajo de Pablo Picasso. 

A partir de los años cincuenta su obra evolucionará hacia una pintura en la que el escenario ya no tiene el protagonismo de antaño y en se reduce el sentido de la profundidad. Los descubrimientos técnicos que le proporcionan la realización de murales le llevarán alrededor de los años sesenta a expresarse por medio de una pintura plana de fuertes contrastes de color y de un grafismo que se superpone a la obra pictórica, cargando su obra de gran fuerza sintética, llevándola hacia una deconstrucción de la imagen que supondrá el cenit de su etapa de madurez.
Independientemente de la práctica pictórica, del dibujo y de sus investigaciones en el campo del grabado, Seoane merece ser recordado como el gran dinamizador de la cultura gallega en el exilio. Fundador de la editorial Botella al Mar, editor, voz de la emigración a través de revistas como Galicia Emigrante… todo ese trabajo culminaría en la creación, junto a Isaac Díaz Pardo, del grupo Sargadelos. Su estética marcará un antes y un después en la historia de las artes plásticas en Galicia.

El mundo como proyecto, de Otl Aicher

Gustavo Gili nos deleita con esta obra de Aicher, se basa en las reflexiones y pensamientos que realiza el diseñador sobre arquitectura, diseño y el mundo de la cultura. Textos en los que cada uno de ellos aporta un "que hacer" necesario para entender el mundo actual que nos rodea, ya sea a través de la arquitectura o el diseño. Los textos, además aportan enunciados sin cortapisas sobre diseñadores y pensadores de los que hace algunas criticas, pero hay otros como Charles Eames, por ejemplo, de los que toma como referencia para las cosas bien hechas.

Un aspecto esencial de los trabajos de Otl Aicher es su radicación en una ‘filosofía del hacer’, inspirada en pensadores como Ockham, Kant o Wittgenstein, cuyo tema son los supuestos y las finalidades -así como los objetos y las exigencias- de la creación de formas. Los textos de Aicher, aparecen aquí recogidos en un solo volumen por vez primera. 
En su recorrido por la historia del pensamiento y de la creación de formas, del componer y del construir, se cerciora de las posibilidades de organizar la existencia de un modo humano y se interroga sobre los supuestos desde los que la cultura de la civilización es realizable. Tales supuestos deben someterse a discusión frente a las tensiones aparentes y las alternativas puramente intelectuales. Con fértil obstinación, Aicher aboga sobre todo por la renovación de la modernidad, que parece haberse diluido en visiones estéticas, pues todavía sigue siendo más importante el 'domingo de la cultura' que el discurrir cotidiano de los días.

Otl Aicher (Ulm 1922-1991), una de las figuras más sobresalientes del diseño moderno, fue cofundador de la legendaria Hochschule für Gestaltung de Ulm. Todas sus creaciones se cuentan entre las grandes realizaciones de la cultura visual de nuestro tiempo, entre ellas las imágenes corporativas de Braun, Lufthansa, ERCO y de los Juegos Olímpicos de Múnich.

Sistemas de retículas de Josef Müller-Brockmann

La editorial Gustavo Gili nos vuelve a deleitar con una nueva edición de este manual imprescindible que han publicado recientemente, para todo diseñador. Escrito por Josef Müller-Brockmann y editado por primera vez en 1981 y un año después en español. Es un manual imprescindible para entender el orden en el diseño gráfico, elemento importantísimo para poder realizar composiciones funcionales, estructuradas y que expresen armonía al receptor, estilo suizo en estado puro. También habla sobre cómo aplicar una retícula al diseño tridimensional (diseño de exposiciones) un campo en el que se puede explotar mucho este sistema.

En definitiva, un manual para diseñadores que sigue vigente en los tiempos actuales de las nuevas tecnologías. 

No dudéis en haceros con un ejemplar, ya no solo por su contenido sino también por su cuidada edición.

"Chemical Atlas". Gráficos de 1854 para entender cómo funciona la química

Edward Livingston Youmans (1821-1887), es recordado como el fundador de Popular Science magazine, fue uno de los escritores, además de editor, más grande de la historia científica. También fue autor de varios libros de texto bellamente ilustrados, incluyendo "Chemical Atlas". Publicado originalmente en 1854, por suerte, el libro es de dominio público y podemos acceder a el através de una versión digital que está disponible en varios formatos en Internet, y también se ha publicado en papel. Una obra de una belleza magnífica en la que el gusto por dar la información y explicar los datos de una forma bella gráficamente ya se venia haciendo desde tiempo atrás y sin ordenadores.

En torno a la tipografía, de A. Frutiger

Desde aquí invito a releer para aquellos que ya lo habéis leído, y para los que todavía no lo habéis hecho no dudéis en hacerlo. 

Como bien dicen, este tratado de tipografía en el que Frutiger nos enseña parte de su conocimiento, se lee de una forma rápida, clara y concisa, como si estuvieras con el propio Frutiger tomando un café y charlando sobre un tema como es la tipografía, del que no le damos la verdadera importancia que tiene que tener, tanto en nuestra vida profesional como personal, ya que la escritura es un valor que hemos heredado de nuestros antepasados y hay que tratarla como se merece.

Desde Gustavo Gili nos han proporcionado esta oportunidad de poder acceder a su conocimiento.Frutiger dice: 
Enseñar y aprender, el camino de la invención.
El adulto tiene la responsabilidad de transmitir su saber, sus habilidades. No es una obligación, sino un instinto profundo del que nace la paciencia para aceptar la cotidiana presencia de los jóvenes a su lado. Este instinto le lleva a hacerles oler, sentir, ver, amar el material; le empuja a enseñarles la preparación y el manejo de los utensilios; le incita a transmitirles la perseverancia, la necesidad de esforzarse una y otra vez, le induce a enseñarles cómo concebir y desarrollar una nueva obra. 
Gracias a esta intimidad del trabajo en común, generación tras generación, igual que en una cadena, el saber y la habilidad siguen transmitiéndose, creciendo y abriéndose al futuro.
El saber y la habilidad que poseemos hoy constituyen la base del mañana. La obra actual, profundamente arraigada en todas las actividades del pasado humano, constituye el fundamento de la obra por venir. La mujer y el hombre tienen una responsabilidad: ser conscientes de que la clave del pasado se convierte en la piedra angular del futuro.A. Frutiger

Historia del diseño gráfico de Phillip B. Meggs y Alson W. Purvis, un libro de cabecera

La obra más completa sobre la historia del diseño junto con la obra de Enric Satué, "El diseño gráfico: desde los orígenes hasta nuestros días".
En esta cuarta edición de la editorial RM escrito por Philip B. Meggs y Alson W. Purvis que explican, exhaustivamente, la historia y la evolución del diseño gráfico, desde la prehistoria hasta la revolución digital. Sus páginas, comprenden infinidad de ilustraciones, la mayoría en color, con extensos textos en cinco apartados. 1 Prógolo al diseño gráfico: El mensaje visual desde la prehistoria hasta la Edad media; 2 El renacimiento gráfico: Orígenes de la tipografía y el diseño para impresión europeos. 3 El puente del s.XX: La revolución industrial “El impacto de la tecnología industrial sobre las comunicaciones visuales”; 4 El movimiento Moderno en Estados Unidos: El diseño gráfico en la primera mitad del s.XX; 5 La era de la información: El diseño gráfico en la aldea global.
Es una obra que todo diseñador debería leer, ya sea para refrescar conocimientos o para adquirir algunos que se nos habían quedado en el camino y que nos abren otras puertas a las que poder acceder para así enriquecer nuestros trabajos.
Muy recomendable.

150 años del metro de Londres a través de los sellos

Con motivo del 150 aniversario Hat-trick, ha elaborado esta magnífica colección de estampas para conmemorar dicha celebración. A través de la Royal Mail se pueden adquirir estas pequeñas "rarezas" no exentas de belleza.

Graphic design for rain days

Un día de lluvia fatídico, un chico aburrido le pregunta a su abuelo, ¿qué es el diseño gráfico?. Partiendo de esa pregunta inocente, este libro de actividades lleva a sus lectores a un encantador e ilustrado viaje relámpago a través de los hitos más relevantes de esta disciplina creativa, personalidades y tecnologías. Con un diseño atractivo, narraciones humorísticas y ejercicios divertidos, ofrece una mirada divertida de los muchos aspectos del diseño gráfico, desde sus humildes comienzos hasta hoy en día, a partir de estilos como el art nouveau, Dada, Bauhaus hasta los innovadores como William Morris, Jan Tschichold, Saúl Bass, y David Carson. 

"Diseño gráfico para los días de lluvia" es un generoso proyecto ilustrado y una actividad muy educativa que se puede ver vía digital y adquirir en papel, en el que seguimos al abuelo de Kiddo y a Kiddo en un viaje increíble. Una historia magnífica y bella muy ilustrativa. graphicdesignforrainydays.com

La doble página con la ilustración de las escuela de la Bauhus me encanta.

En la librería Panta Rhei de Madrid lo podéis adquirir www.panta-rhei.es